Cíclope 3.0 - 08-10-19

Prisma del Tiempo

Tal y como ilustra la foto de cabecera, esta nueva edición de Cíclope 3.0 comienza atravesando el prisma del tiempo.  Lo primero que suena es un fragmento de un álbum aparecido en 1974 y que se titula Taking Tiger Mountain (By Strategy) y que firmaba Brian Eno.

Fue el segundo trabajo de la carrera en solitario del que fuera teclista de Roxy Music.  Tiempos de travestismos y disfraces en este hombre que tiene una de las discografias más amplias en la historia de la Música Moderna.

Brian Eno en 1974

De aquel Taking Tiger Mountain (By Strategy) nos vamos a quedar con un tema, The True Wheel, que suena porque tiene que ver y mucho con lo que viene a continuación, cumpliéndose una vez más eso tan recurrente como es el juego de la cesta de cerezas: tomas una y enganchadas vienen unas cuantas más.

Situando un poco el disco con el que abrimos, Taking Tiger Mountain (By Strategy) es un álbum en el que Eno continúa con las retorcidas exploraciones pop de su álbum de debut en el panorama musical del Pop-Rock, Here Come the Warm Jets, de 1973.  Este segundo trabajo es más tenue y cerebral y un poco más oscuro.  Es un disco de conceptos sueltos, a menudo inescrutables, pero juguetón y saltarín, con temas sobre el espionaje, la revolución comunista china y las asociaciones libres de ideas que se producen en los sueños.  Es un trabajo accesible a través del dominio de Eno de las estructuras de la canción pop, una forma que pronto trascendería y descartaría.  The True Wheel es una composición realizada a medias con su antiguo compañero de Roxy Music, el guitarrista Phil Manzanera, que participa en los créditos como tal y como coproductor con Eno.  Robert Wyatt aparece como percusionista.  En la canción que suena, The True Wheel, hay una estrofa que dice:

We are the 801We are the central axis.Looking for a certain ratio

Algo así como

Somos el 801Somos el eje central.Buscando una cierta proporción

De las tres frases nos interesa la última: Looking for a certain ratio.  Y en las palabras resaltadas en negrita y cursiva está la clave para lo que sigue: en 1979, en Inglaterra, en concreto en la ciudad de Manchester, apareció una banda que se bautizaba con un fragmento de la canción de Brian Eno que nos ocupa, se llamaron A Certain Ratio.

A Certain Ratio

Fueron clave en la escena Post-Punk inglesa.  De quinteto pasaron a sexteto, cambiaron su estética musical en varias ocasiones quedándose al final centrados en ritmos eminentemente Funk.
La banda se había originado en 1977 con el bajista Jeremy Kerr, el guitarrista / trompetista Martin Moscrop, el guitarrista Peter Terrelly y el vocalista / trompetista Simon Topping.  Fue el manager de Joy Division, Rob Gretton, quien vio y escuchó a la banda en vivo, lo comentó con Tony Wilson, responsable principal del sello Factory, quien les hizo un contrato y, además, se convirtió en su manager.  Martin Hannett fue el productor y en 1979, el batería Donald Johnson se agregó a la banda.  Lo primero que se editó de ACR, acrónimo de A Certain Ratio, fue un cassette titulado The Graveyard and the Ballroom que recogía tanto grabaciones de estudio como actuaciones en directo.

El pospunk anguloso y pesado de ACR posiblemente podría compararse con el de Joy Division, su compañero de Factory.  Una diferencia clave es que ACR tiene una influencia funk más pronunciada, lo que hace que su música sea más bailable.  Otra diferencia es que las letras de Topping, más abstractas e incluso humorísticas (aunque de una manera oscura y peculiar) son menos dramáticas que las de Curtis.  Durante años su catálogo de grabaciones ha estado circulando a través de un acuerdo con Mute Records.  Se separaron, se volvieron a reunir aunque bajo formatos de cuarteto o trío, y han llegado a estar vigentes en pleno siglo XXI.  En el año 2018 apareció un MaxiSingle, un 12", con 2 temas remezclados cada uno, dando un total de 4 cortes.  Si lo primero que apareció fue un cassette, hoy, a pesar de la hegemonía de las grabaciones digitales, el CD y el MP3, la banda editó el Maxi sólo en formato de vinilo.  El título, Dirty Boy & Shack Up Remixed.  El tema principal, el tema estrella, Dirty Boy.  Para interpretarlo, para que colaborase con ellos, un viejo amigo: Barry Adamson.  El disco se editó hace ahora un año y ahí está, en medio del Mundo.  Recuperamos en Cíclope 3.0 la canción y la voz de Adamson.

Barry Adamson

Bajista de Magazine y durante un tiempo una de las semillas malas, The Bad Seeds, que se sembraban alrededor de Nick Cave, su labor como músico colaborador en proyectos de otros es amplia, por ejemplo aparece en los créditos del disco Our Moon is Full, del colectivo Strings of Consciousness, un grupo basado en forma de quinteto pero que puede llegar a reunir de 11 a 20 miembros.  Los fundadores llegaron desde París: Hervé Vincenti, guitarra eléctrica y teclados, y Philippe Petit, teclados.  Se asientan entre Londres y París recibiendo a otros músicos de ambas localidades y además de Chicago.  Crisol de tendencias, estéticas y estilos musicales, graban por primera vez en 2007 y los publica el sello discográfico Central Control International, propiedad de Barry Adamson, que pone la voz en el disco presentación de la banda, en el tema que recupera el Cíclope.

String of Consciousness

    

Our Moon is Full - 2007

Adamson estuvo dentro de los Especiales Discografia en Cíclope 3.0 entre enero y abril del año 2018.  Es un músico muy interesante, con una discografia importante de la que vamos a rescatar un fragmento de aquel Moss Side Story, primer trabajo en solitario firmado en 1989.

Personalmente me interesa todo lo que hace éste músico, pero cuando compone bandas sonoras de películas imaginarias, entonces ya me invade una profunda pasión y admiración por su trabajo.  The Swinging Detective es una de esas bandas sonoras de paisajes interiores que nos sirve para conectar con otra banda sonora de película, en esta ocasión no imaginaria sino real, el score de la serie de televisión Chernobyl.

Hildur Gudnadóttir es una violonchelista, compositora islandesa, amiga, paisana y colega de profesión del malogrado compositor e intérprete Jóhann Jóhannsson.  Uno de los últimos trabajos que dejó inacabado Jóhannsson fue la banda sonora de la película María Magdalena, producción británica del año 2018 dirigida por Garth Davis e interpretada por Rooney Mara y Joaquin Phoenix.  El score, sobre el que trabajaban Jóhannsson y Gudnadóttir se interrumpió por el fallecimiento de aquél, quedándose ella sola para la conclusión.  Para Chernobyl, Gudnadóttir compuso una obra que subraya cada momento, cada sección de la cinta.

Hildur Gudnadóttir

  
En estos días está en cartelera la película Joker, la cinta que narra cómo se forma el mito del Villano que se cruzará en el camino de Batman.  La banda sonora, el score original, está compuesto por ella, Hildur Gudnadóttir.  Por cierto, con ésta compositora e intérprete cometí un error garrafal hace tiempo.  Fue en el programa del 27 de febrero de 2018, edición dedicada a la figura de Jóhann Jóhannsson con motivo de su muerte.  Fue el segundo Especial dedicado a su música.  Ahí le cambié el sexo a Hildur Gudnadóttir diciendo que era un compositor-violonchelista.  Un amigo de Chile escribió un comentario donde me recordó que no era un hombre sino una mujer.  Después de aquello, cada vez que ha sonado en Cíclope 3.0 la he denominado de forma correcta pero hasta el momento no había aclarado aquella equivocación.
Terminamos ésta edición de Cíclope 3.0 con otra banda sonora de serie de televisión: Black Mirror Smithereens.

  

Los capítulos, o el capítulo, no ha recibido buenas críticas por parte de seguidores y crítica.  No la he visto, no puedo opinar, pero sobre la música, sí: el score es original de Ryuichi Sakamoto y de dicha banda sonora nos quedamos con un par de fragmentos.

Ryuichi Sakamoto

Espero que te guste el programa.


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Cíclope 3.0 - 01-10-19 - Especial The Psychedelic Furs # 2

The Psychedelic Furs en 1982

Cíclope 3.0 del martes 1 de octubre de este año 2019.  Segunda entrega del Especial Psychedelic Furs que hoy comienza precisamente donde lo dejamos en la edición anterior, con el álbum de 1982 titulado Forever Now, con la banda reducida a cuarteto y con el primer single que se extrajo del LP como tarjeta de presentación, Love My Way.  Para terminar la selección de temas extraídos del álbum, una composición con elementos netamente psicodélicos: Yes I Do (Merry-Go-Round).  Voces tratadas, teclados psicodeilizados...una ambientación puramente psicodélica, haciendo referencia directa al sentido del nombre del grupo.
En la entrada anterior del Especial Furs de este blog, comentamos el disco ilustrándolo con fotos de la carpeta.  Hubo otra carpeta opcional con la que se publicó en parte de Europa y Norteamérica.

Forever Now (Portada alternativa)

Contraportada alternativa

Dos años después, en 1984, The Psychedelic Furs ampliarían el arco de seguidores con la publicación de su álbum más comercial aunque no por ello comprometedor: Mirror Moves.

Con el álbum Forever Now el grupo se acercó a las audiencias más amplias de los Estados Unidos utilizando las vías de programación de la Radio.  Las emisoras de FM norteamericanas programaban la música de los Furs porque tenían un sonido donde las asperezas habían sido limadas.  La espléndida producción del brujo Todd Rundgren los acercó a lo que buscaban: un espectro musical más Pop.  Con Mirror Moves continúan buscando su lado más calmado, más limpio de aristas.  Ya no suenan como en sus dos primeros trabajos, caóticos y al mismo tiempo armoniosos, ahora son más armónicos y la inclinación de sus canciones está más en la línea de un canto épico y suave.  Se vuelven más producto de la época: los sintetizadores desempeñan un papel más prominente que antes, lo que determina que el grupo suene de una forma diferente pero atractiva.  
La producción fue de Keith Forsey, batería, productor de Billy Idol y compositor, responsable, entre otros temas conocidos, de aquel Don’t you (Forget about me) de 1985 de Simple Minds.  
Mirror Moves nos presenta a The Psychedelic Furs reducido a trío: de los originales quedan tan solo los hermanos Butler y el guitarrista John Ashton.  Se marcha Vince Ely, batería, y quedan huecos que se sustituyen según las necesidades.  En esta ocasión será el productor, Keith Forsey, quien tome las baquetas en algunos cortes del disco; en otros será Thommy Price, batería durante 18 años de Joan Jett & The Blackhearts, también de Billy Idol y además fundador de su propia banda, Sex Drums & Rock 'n' Roll.

Keith Forsey

Thommy Price

Tampoco estaba Duncan Kilburn soplando en el saxo, pero sí Mars Williams, músico norteamericano multinstrumentista que utiliza el saxofón tanto en disciplinas jazzísticas como rockeras.

Mars Williams

  















De la discografía del grupo, Mirror Moves es el disco del que más canciones extraemos para el programa, no sólo para ésta entrega del Especial, sino de todos los espacios dedicados a los Furs.  Es el trabajo que, para muchos, supuso el canto del cisne de la banda porque después cambiaron demasiado las cosas en la música del grupo.  Canciones como Heaven, The Ghost in You, las guitarras y las cuerdas (¿son de verdad cuerdas?) de Here Come Cowboys, el perfil de himno de My Time...  Era mucho más fácil que las emisoras norteamericanas de audiencia amplia emitieran este disco que cualquier otro del grupo.  Richard Butler sigue jugando con esa apariencia andrógina con la que aparece en la portada del disco, actuando en directo vestido con una falda-pantalón o pantalón-falda, con una camisa que se asemejaba más a una blusa femenina...a veces se parecía a Anthony Perkins cuando se disfraza de su madre, de señora Bates en la película Psicosis.  Pero seguía modulando esa voz tan personal, menos oscura en esta ocasión, más melódica, pero sin lugar a dudas la voz de The Psychedelic Furs.
  

Midnight to Midnight - 1987

Tres años entre Mirror Moves y Midnight to Midnight son suficientes para crear espectativas y para que los seguidores del grupo idealicen el nuevo álbum.  Sin embargo los resultados no pudieron ser más contrarios a lo que se esperaba de ellos.  Es un disco Pop, más Pop que nunca.  Se vuelven a incluir en los créditos colaboradores tanto en batería (Paul Garisto, músico neoyorquino), como en el saxofón, donde repite Mars Williams; hay un segundo guitarra como apoyo a John Ashton, el guitarrista Marty Williamson.  Dos teclistas, que no participan a la vez sino uno como titular de la grabación, Jon Carin (miembro ocasional de Pink Floyd cuando Roger Waters dejó la banda), y el músico y productor británico Ed Buller como suplente en las teclas.  La producción, de Chris Kimsey.  Richard Butler sigue encargándose de las letras que, en ocasiones, recogen una mirada crítica a su alrededor como por ejemplo en la canción Shock, donde habla de la droga conocida como crack, un horror que, según el texto de la canción, sólo utilizan los negros pero que cuando la consumen los blancos se llama Freebase, nombre suave.
A pesar de esa visión en momentos desencantada del Nueva York al que se había trasladado el grupo, a pesar de un par de buenas canciones incluidas en el LP, el disco no funcionó.  Para colmo, en una entrevista de promoción, un cabizbajo Richard Butler aseguró no estar nada, absolutamente nada contento con el resultado final del trabajo.  Que las letras de las canciones, según él, eran un puzzle de imágenes, adultos hedonistas que hacen fila en el inodoro de algún club caro en Manhattan para meterse rayas de cocaína, mujeres rubias de trajes negros ajustados, olor a laca de pelo, coches, dinero...y un insoportable hedor a colonia Polo Ralph Lauren.  Que no.  Que el disco no le gustaba.  Pero, ¿por qué? -le preguntó atónito el entrevistador.  Butler fue conciso y contundente, y con gesto de desprecio afirmó

it's a hollow, vapid and weak record (es un disco hueco, insípido y débil)

Y de la portada no quiso ni hablar.

Con tres temas de este disco se cierra hoy Cíclope 3.0  No es ni de lejos un buen álbum de The Psychedelic Furs pero al menos algún tema se podía salvar.  Personalmente me quedo con All of The Law, no sé qué opinas tú.

Espero que te guste el programa.

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Cíclope 3.0 - 24-09-19

Hopalong Cassidy

Cíclope 3.0 del martes 24 de septiembre.  Aires de Texas al comienzo de esta edición, con pistolas y ceremonias de vudú eléctrico como el que recuperamos a través de Gun Club y su Fuego de Amor.

Fire of Love, lo reconozco, fue una obsesión desde la primera vez que lo escuché.  El disco, aparecido en 1981, lo firmaba The Gun Club, o Gun Club a secas.

The Gun Club

La mala reputación del líder de la banda, Jeffrey Lee Pierce, como hombre asilvestrado, poco fiable, poco tratable, que se pillaba unas cogorzas que terminaban siempre en pelea, persiguió desde el principio al Destino del grupo.

Jeffrey Lee Pierce (1958-1996)

Se formó Gun Club en Los Ángeles a principios de los años 80.  Blues psicobilly tribal es la mejor manera de describir el rock enérgico que presentaba el grupo.  Su debut en 1981, Fire of Love, fue un híbrido de punk-blues: energía intensa y frenética.

En Texas, Pierce había sido el presidente del club de fans de Blondie.  Cuando Gun Club se trasladan al Lower East Side de Nueva York, el enlace con las referencias a Deborah Harry y compañía ayuda a la banda a ampliar sus relaciones con profesionales de los medios de producción y otros músicos.  En el grupo llegarían a militar figuras como Kid Congo Powers, que ya había pasado por proyectos como The Cramps y que no hace mucho compartió sesiones musicales con los noruegos Madrugada.
Fire of Love es como una marca de agua para toda la música con raíces post-punk.  Blues infernales y un mundo gótico amplían los paisajes interiores de Jeffrey Lee Pierce.  El tema Sex Beat, como todas las composiciones del álbum, está enraizada en su tierra natal, Texas.  En la canción se relata una historia de vudú, sexo, drogadicción y muerte.

El segundo disco, Miami, editado en 1982, tenía el hándicap de ponerse a la misma altura que el álbum que le precede.  Tuvo una serie de invitados de lujo, como la admirada Debbie Harry y el guitarrista de Blondie, Chris Stein, que además se encargó de la producción.

Mother Juno de 1987, presenta el tandem de guitarras de Jeffrey Lee Pierce y Kid Congo Powers y la labor de un productor inusual en estas lides musicales: el guitarrista y exmiembro de Cocteau Twins, Robin Guthrie.

El disco suena a Gun Club, excepto en una composición, The Breaking Hands, donde Pierce buscó el perfil característico de guitarras de Guthrie, ese guinglineo que floreció como seña de identidad de la música de Cocteau Twins.
Tras la separación de los Gemelos en 1997, cada miembro tomó un camino personalizado: Elizabeth Fraser dejó la música y se retiró a una granja, en Escocia, donde se dedica a ejercer de granjera.
 

La voz de Cocteau Twins en la actualidad

Simon Raymonde continuó componiendo e interpretando música tanto en solitario como formando parte de otros colectivos.







  
De los tres, Robin Guthrie es el que ha mantenido y desarrolla una actividad de espectro amplio.  Ha colaborado con músicos como Harold Budd, Annie Barker, John Foxx o Brendan Perry además de liderar proyectos como Violet Indiana, a medias con la vocalista Siobhan de Maré.  De su discografía en solitario, el Cíclope recupera el álbum del año 2009 titulado Carousel.

Robin Guthrie

De un guitarrista escocés a otro paisano, en éste caso la guitarra insomne de Vini Reilly al frente del proyecto The Durrutti Column.

Vini Reilly

Vincent Gerard Reilly, conocido como Vini Reilly, es un músico original de la ciudad inglesa de Manchester.  La Columna Durruti, o tal y como la conoció Reilly, Durrutti, con falta de ortografía incluida, viene del español, de la columna de milicianos anarquistas durante la Guerra Civil española.  Al parecer, Reilly vio el nombre escrito en un cartel de una formación política en Inglaterra, le llamó la atención y la tomó para bautizar ese grupo que había comenzado a formarse en los años 1978-79 bajo los auspicios musicales de Tony Wilson y Alan Erasmus, futuros responsables del sello discográfico Factory Records.  Reilly llegó como invitado, como un miembro más del proyecto, y al final, después de reclutar a varios músicos, se convirtió en el alma-máter de la banda, Wilson se convertiría en manager de The Durrutti Column, y cuando actuaron en España por primera vez se enteró de la vinculación con la guerra civil española, de que había existido un hombre llamado Buenaventura Durruti, que había estado al frente de la columna que recibió el nombre de su apellido y que sí, estaba mal escrito: Durruti, con una sola t, no dos.  En definitiva, Reilly encontró una vía de sublimación para su problema: sufre de insomnio, o al menos sufría, y durante esas horas nocturnas habitualmente dedicadas al sueño que para él se mantenían incólumes en la vigilia, se dedicó a componer música para interpretarla con su guitarra y ocasionalmente con los teclados.  El resultado es un crisol de reducciones de estilos, mezclas desnudas que se dejaron dibujar en aquel álbum de presentación firmado en 1980 con producción de Martin Hannett y titulado The Return Of The Durutti Column: guitarras eléctricas y cajas de ritmo, instrumento básico a lo largo de los primeros años 80.

El LP, en España, tuvo la carpeta que puedes ver a la izquierda: tres pinturas de colores sobre un fondo negro que, del roce con otras carpetas, se llegaba a deslucir un poco.  Sin embargo el diseño original de la cubierta del primer disco de La Columna Durrutti tal y como apareció en Inglaterra fue diferente. 

La carpeta original de aquel primer álbum de The Durrutti Column: de papel de lija.  He ampliado la foto para que se pueda apreciar la textura porculizante de la carpeta porque, los LPs, al estar guardados en estanterías como si fueran libros, se apretaban unos a otros y a no ser que tuvieras la precaución de conservarlos en carpetas de plástico transparente, el roce, en concreto de este disco con otros, terminaba arañando al que tuviera pegado a él.  Pero, claro: era curiosa la portada, con esa rugosidad natural, opuesta a la sencillez suave de la guitarra del motor del grupo, un Vini Reilly admirado por el siguiente invitado en Cíclope 3.0, el guitarrista californiano original de San Diego, Jimmy LaValle.

LaValle lleva tiempo en el mundo de la música, en el área del Rock Alternativo.  Fue el fundador del grupo Tristeza, sexteto californiano con nombre hispano.  Tras esa estela y sin abandonar su formación original creó una banda nueva que responde al nombre de The Album Leaf, también bajo formato de sexteto.  

El Cíclope recupera un disco del año 2001 y un poco de aquellos Tristeza con el fragmento de uno de sus discos de 1999.

Tristeza

The Album Leaf - One Day I'll Be on Time

Tristeza - Spine & Sensory - 1999

Desde San Diego, California, el Cíclope toma su ala delta y nos traslada hasta Moscú.  Sonidos soviéticos con Mooncake.

Mooncake

Mooncake reúne dos guitarras, violonchelo, bajo y batería en una vibrante mezcla de sonidos que dan como resultado un estado de desarrollo permanente.  Su presentación la realizaron autoproduciéndose un primer disco que les sirvió para conseguir un contrato y publicar álbumes como Zaris, del año 2013.

  

Antes, en el año 2011, el grupo grababa un disco a medias con unos colegas de la música y amigos, los alemanes Collapse Under The Empire.  El disco en cuestión fue Black Moon Empire del que extraemos el tema que le da título al álbum.

Collapse Under The Empire

Cerramos esta edición de Cíclope 3.0 desde Rusia, con uno de los primeros proyectos de música electrónica que llegaron desde allí al mundo occidental.  Sleepy Town Manufacture es una banda fundada en 1999 por Roman Komarov, Anton Lukoyanychev y Alexander Ananyev.  Este último también produce un ambiente indescriptiblemente cálido bajo el nombre Beautumn que intentaremos recuperar en otra ocasión porque el tiempo, por hoy, se nos termina.

Espero que te guste el programa.

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Cíclope 3.0 - 17-09-19

Un rincón de Londres en 1978

Cíclope 3.0 del martes 17 de septiembre.  Al comienzo de la edición de hoy, el Cíclope lanza un boomerang que describe una elipse recogiendo vibraciones en estéreo de otros tiempos y cuando lo recuperamos nos encontramos que trae adheridas algunas canciones interesantes firmadas, entre otros, por Tom Robinson con quien comenzamos.

Tom Robinson

Pocos artistas de la gran era Punk han sido tan importantes, creativos y controvertidos como este hombre.  Thomas Giles Robinson, más conocido como Tom Robinson, nace en Cambridge, Inglaterra, en 1950, se inicia en el escenario del Rock con una banda de folk-rock, Café Society, allá por 1973.  Será en 1975 cuando firmen un contrato con el sello discográfico Konk, propiedad del alma-máter de The Kinks, Ray Davies.  Davies los había escuchado en vivo en una actuación en un pub en el área de Londres, en el Troubadour Club, y aceptó incluirlos en su sello además de producir el álbum de presentación que bautizaron con el nombre de la banda.  La banda se separó y Robinson se abre a otros horizontes musicales y profesionales, ejerciendo durante un tiempo como locutor de radio.
En la música se abriría un capítulo muy importante con la aparición de The Tom Robinson Band que escucharemos dentro de un momento porque el comienzo del Cíclope de hoy lo firma él sólo con un álbum aparecido en 1982 con reminiscencias cinematográficas en el título: North by Northwest.  Con ese nombre inmediatamente viene a la memoria la película del mismo título firmada por Alfred Hitchcock cuya traducción en España es Con la muerte en los talones.  El disco de Robinson presentaba al músico introduciendo instrumentos básicos del sonido de los 80: cajas de ritmo y sintetizadores.

  

Peter Gabriel aparece en los créditos como coautor de algunos de los temas del LP y como voz de acompañamiento.
Antes, en 1978, Robinson había llamado la atención con un espléndido single: 2-4-6-8 Motorway.  Consigue un contrato surrealista con el sello EMI porque Tom Robinson es el tipo de artista políticamente polémico, cosa que los sellos principales generalmente ignoraban, sobre todo en aquella época, 1978.  Además se mostraba abiertamente gay y cantaba canciones de temática homosexual.  Insisto: 1978.  En política era activamente beligerante y no disimulaba su odio hacia el entonces primer ministro británico: Margaret Thatcher.  Ayudó a formar el colectivo Rock Against Racism, un movimiento político y cultural que surgió en 1976 como reacción al aumento de los ataques racistas en las calles de las ciudades del Reino Unido y al creciente apoyo al Frente Nacional neonazi en las urnas.  Las letras de sus canciones no se centraban en eslóganes sino que desarrollaban ideas que hablaban a favor de cualquier pacto político de Izquierda que estuviera contra el gobierno ultraconservador Tory.
El primer álbum editado como The Tom Robinson Band fue Power in the Darkness, en 1978, un disco extraordinaria y ferozmente directo, crudo y real como las canciones que lo forman.

    

Este disco incluiría la declaración de principios que es el tema Glad to be Gay (Me alegra ser Gay) interpretada en vivo y en directo.  Comienza con unas palabras aclaratorias por parte de Robinson:

Esta canción está dedicada a la Organización Mundial de la Salud.  Es una canción medicinal y trata de una enfermedad cuya tipificación según la Clasificación Internacional de Enfermedades es 302.0

La letra es la siguiente:

La policía británica es la mejor del mundo.  No creo ninguna de esas historias que he escuchado sobre que atacan nuestros pubs sin ninguna razón, alineando a los clientes en la pared, escogiendo personas, derribándolas porque se resisten a ser arrestadas mientras son pateados en el suelo.  

Después buscan en sus casas, llamándolos maricas.  No creo que ese tipo de cosas suceda aquí. 

Canta si te alegra ser gay, canta si eres feliz de esa manera. 

Las fotos de mujeres jóvenes desnudas en Titbits y Playboy, en la página tres de The Sun, son divertidas.  Pero no hay desnudos en Gay News nuestra única revista, pero aún así encontraron excusas para llamar a nuestra publicación obscena.  Leo en la prensa lo repugnante que resultamos: The Telegraph, People y Sunday Express dicen que somos pervertidores de menores, corruptores de jóvenes.  Está ahí en los periódicos, debe ser la verdad. 

Intenta cantar si te alegra ser gay, canta si eres feliz de esa manera. 

No intentes engañarnos si eres discreto, estás perfectamente seguro mientras caminas por la calle, no tienes que andarte con rodeos o hacer comentarios malintencionados para ser golpeado y dejado inconsciente en la oscuridad.  Tenía un amigo que era amable y sencillo.  Estaba sólo, una tarde que salió a pasear, y unos caza-maricas lo atraparon y le patearon los dientes.  Estuvo hospitalizado una semana y todavía tiene las cicatrices. 

Canta si te alegra ser gay, canta si eres feliz de esa manera. 

Siéntate y observa cómo cierran todos nuestros clubes, nos arrestan por reunirnos y atacan todos nuestros pubs.  Asegúrate de que tu novio tiene 21 años mientras haces amigos y hermanos.  Miente a tus compañeros de trabajo, miéntele a tus amigos, deja a las reinas, cuenta chistes anti-maricas.  La liberación Gay es ridícula, únete a sus risas: "Los sodomitas son legales ahora, ¿qué más están buscando?" 

Canta si te alegra ser gay, canta si eres feliz de esa manera.

Dejamos a Tom Robinson con un trabajo firmado a medias con el guitarrista Jakko M. Jakszyk titulado We Never Had It So Good.

1990

Tal vez te preguntes, lógicamente, quién es ese tal Jakko M. Jakszyk, de nombre y apellido tan peculiar.  

  

 Michael Lee Curran, conocido como Jakko M. Jakszyk, es un músico, guitarrista, productor y actor ocasional de origen británico.  Su vocación, desde niño, fue la de ser futbolista, pero no consiguió superar las pruebas en el Watford Football Club.  Abandonó la idea y ganamos a un músico versátil, con una agenda de amigos y contactos en el mundo de la música que ya verás.
En la década de los 80 estuvo formando parte de proyectos eminentemente comerciales como fue el caso de Level 42.  Permaneció en el seno de la banda hasta su separación.  Después vendría la colaboración con Tom Robinson, grabaciones con tres miembros de Japan (Richard Barbieri, Mick Karn y Steve Jansen).
En pleno siglo XXI se reúne con unos amigos para formar el proyecto 21st Century Schizoid Band, nombre que alude al 21st Century Schizoid Man de King Crimson.  Ese nuevo proyecto está formado por músicos que han pasado por la corte del rey Fripp, a saber: Michael Giles, Mel Collins, Ian McDonald o Peter Giles.  Para colmo, Jakszyk está casado con Amanda Giles, hija de Michael Giles.
Profundo admirador de King Crimson, especialmente de los dos primeros álbumes de la banda donde intervino Greg Lake, llegó a serigrafiar la portada de In the Court of the Crimson King como decoración en una de sus guitarras.

Tiene que ser algo extraordinariamente adrenalínico: ser músico, guitarrista, admirar a un grupo como el de Robert Fripp, y con el tiempo llegar a convertirte en miembro activo del mismo.  Eso es lo que le pasó a éste hombre, que en el año 2013 pasó a ser segundo guitarra del Rey Carmesí.  Su primera aparición en disco fue en 2015, tocando la guitarra y cantando en el álbum Live at The Orpheum.
Pero de él, de Jakko M. Jakszyk, el Cíclope selecciona tres temas de los que dos van unidos como uno sólo.  El álbum titulado The Bruised Romantic Glee Club es una reunión de músicos, colegas y amigos donde no falta la presencia de Mr. Fripp, un disco doble con temas muy buenos.

Como hemos estado enredando con King Crimson por alusiones directas (admiración, ex-miembros...) el Cíclope recupera a un músico de talla, desgraciadamente desaparecido: Greg Lake.

King Crimson con Greg Lake (en la derecha, en la posición más alta)

Nacido en 1947 y fallecido en 2016, Greg Lake fue una pieza fundamental en el espectro del Rock de la década de los 70, en eso que ahora está dado en llamar Rock Progresivo.  Cantante, guitarra bajo, guitarra eléctrica y acústica, compositor y productor, es la voz del primer álbum de King Crimson, es quien canta Epitafio, fue en realidad el productor del primer disco de Fripp y compañía.  En principio, las labores de producción las llevaba Tony Clarke, por aquel entonces productor de The Moody Blues.  Abandonó su puesto cuando reconoció no saber hacia dónde iba la música de King Crimson.  Y aunque participaron todos los miembros de la Corte, al final quien reorganizó todo y coordinó los resultados finales fue él, Lake.
Junto a Keith Emerson y a Carl Palmer formó el trío Emerson, Lake & Palmer, donde continuó sacando lo mejor de sí mismo como cantante, como guitarrista.  Utilizó indistintamente la guitarra de bajo y las guitarras acústica y eléctrica.  Como muestra de ésta última el Cíclope recupera un fragmento de la obra Tarkus de E L & P, del año 1971, en concreto la parte titulada Battlefield, con un punteo por parte de Lake verdaderamente soberbio.

Desde principios de la década de los 80 grabó en solitario, buscándose la compañía de un guitarrista como Gary Moore para resolver el tema de la guitarra eléctrica.  Como muestra un tema de su primer trabajo bautizado con su nombre y apellido y con la colaboración de Moore.

Greg Lake

Gary Moore

De guitarras eléctricas macizas se forma la recta final de la edición de Cíclope 3.0 de hoy, guitarras densas retroalimentadas por su propia electricidad.  Un sonido de guitarra que ha creado escuela llega desde principios de la década de los 70 y florece a finales del siglo XX y en lo que llevamos de siglo XXI, me refiero a la guitarra de Black Sabbath,

Black Sabbath

al estilo, forma y sonido que caracterizó a la banda: el que construía el guitarrista Tony Iommi.

Tony Iommi, uno de los zurdos dorados de la Historia del Rock

Quién le iba a decir a Iommi que el perfil de aquel sonido registrado en el primer álbum de Black Sabbath iba a crear escuela.

Black Sabbath - 1970

El primer disco del grupo es una auténtica catedral de arquitectura sonora gótica, oscura, construida sobre y desde la guitarra eléctrica.  Iommi tenía una forma peculiar de afinar el instrumento, de una manera más grave de lo que es habitual.  Black Sabbath, de 1970, inauguró una serie de discos que fueron en ascenso creativo.  Probablemente lo mejor del grupo está en las grabaciones de los años 1970 a 1973, lo que son sus cinco primeros LPs.  El sonido, el esquema guitarrero de los tres primeros discos, es el que llega hasta nuestros días.  Para situarnos, el Cíclope entresaca el tema que le daba título al disco, bautizado a su vez con el nombre de la banda.
Y de ayer a hoy con unos herederos directos de aquella guitarra, la de Dylan Carlson, guitarra y fundador de la banda Earth.

Earth

Grupo formado en la recta final del siglo XX, allá por 1990, Earth es uno de esos exponentes de un sonido caracterizado por las guitarras eléctricas que lo cubren todo como cortinas espesas, que mueven terremotos que desplazan masas en movimiento, turbinas ensordecedoras.
El proyecto, originario de la ciudad de Olympia, Washington, se trasladó a Seattle capitaneado por Dylan Carlson

Dylan Carlson








Comenzaron como cuarteto, incluso se convirtieron en quinteto durante un tiempo para después pasar a trío

y actualmente están bajo el formato de dúo, con Carlson y la dinámica Adrienne Davies en la batería.

Dylan Carlson es conocido en ciertos círculos mitógrafos por haber sido amigo cercano de Kurt Cobain.  Fue el que compró la pistola con la que Cobain se quitó la vida.  En uno de los trabajos de la discografia de Earth, en el titulado Sunn Amps and Smashed Guitars, que recoge actuaciones en vivo y demos, se incluye una canción con Kurt Cobain en la voz.  Mitología necrofílica aparte, el album que recupera el Cíclope de este grupo es el último, aparecido este año de 2019 y titulado Full Upon Her Burning Lips.

Full Upon Her Burning Lips - 2019

The Colour of Poison, El Color del Veneno, compuesto a la sombra de la guitarra de Tony Iommi de Black Sabbath pone el punto y final a esta edición de Cíclope 3.0


Espero que te guste el programa.


Enlace:

http://www.radio.tomares.es/blog/ciclope-30-17-09-19