Cíclope 3.0 - 17-06-25 - Especial Richard Sinclair # 2

Richard Sinclair

Cíclope 3.0 del martes 17 de junio de 2025.  El mes pasado, un día, escogimos para recordar la figura del guitarra bajo y cantante Richard Sinclair.  Recordarlo no porque ya no esté entre nosotros, sino por todo lo contrario, porque está vivo, porque sigue tocando y participando de proyectos con otros músicos.  Por eso, por su labor como músico, compositor e intérprete, por la calidad de su buen hacer, decidimos dedicarle un espacio.  Lo que ocurre es que hay tanto material que una hora se queda corta y por lo tanto había que ampliarla otra más, otro día, para abarcar lo máximo posible.  Al finalizar esta de hoy nos dimos cuenta que inclusive hace falta un programa más, y ese ya lo haremos después de las vacaciones de verano, a pesar de que en la locución te asegure que volveremos con Sinclair un martes del mes de julio.  Ya hablaremos de eso en su momento.  Vamos a desarrollar el contenido del espacio de hoy que comienza donde terminábamos la primera entrega, con la banda Hatfield And The North.

De izquierda a derecha, Richard Sinclair, guitarra bajo y voz, Dave Stewart, órgano, piano eléctrico, Pip Pyle (1950-2006) batería prolífico que pasó por diferentes proyectos del conocido Sonido Canterbury y Phil Miller (1949-2017) guitarra que también participó del Escenario Canterbury.  En verdad, los cuatro músicos pasaron por diferentes formaciones, además de elaborar una actividad en solitario.  Sinclair, en el seno de Hatfield And The North, tocaría también la guitarra eléctrica.

Haciendo un poco de historia, el proyecto se forma en 1972 y entre 1974 y 1975 grabaron dos álbumes que son un manual de lo que significó la comunidad musical de Canterbury: Hatfield and The North, del que escuchamos un fragmento amplio la edición anterior de este Especial, y The Rotters' Club, con el que terminábamos aquel programa.

En el LP, además de los cuatro miembros del grupo, hay una lista de colaboradores muy interesantes:

Tim Hodgkinson, saxofonista, clarinetista, pianista y compositor de jazz inglés, originario de Salisbury.  Tocó el saxofón alto en un grupo de poesía y happenning de jazz libre.  Se unió a Fred Frith y formó Henry Cow en octubre de 1968.  Tocó brevemente en Barcelona con el cantante Pau Riba.

Jimmy Hastings

(1938-2024), flautista, saxofonista y músico de sesión británico.  Tocó con numerosas bandas de la escena de Canterbury, entre otras Caravan.  

Mont Campbell, multiinstrumentista británico.

Lindsay Cooper (1951-2013), fagotista y oboísta, compositora y activista política inglesa.  Conocida por su trabajo con la banda Henry Cow, y más recientemente por su colaboración con David Thomas and the Pedestrians. Colaboró ​​con diversos músicos, como Steve Hillage, Robert Wyatt, Chris Cutler y con grupos como Egg o Hatfield And the North.  Cofundó The Feminist Improvising Group.  A Cooper le diagnosticaron esclerosis múltiple en 1991, pero no lo reveló a la comunidad musical hasta 1998, cuando su enfermedad le impidió actuar en vivo.

Las voces de coro las firman The Northettes, un trío femenino que ya aparecían en el primer disco de Hatfield And the North y que aquí aparecen de nuevo rebautizadas como The Very Wonderful Northettes

Son, de izquierda a derecha, Ann Rosenthal, Amanda Parsons y Barbara Gaskin.

Son 4 cortes los que escuchamos del segundo disco de Hatfield And the North para pasar a la siguiente metamorfosis de Richard Sinclair, la que va desde los años 1977 a 1979, periodo de tiempo en el que nuestro protagonista pasa a formar parte de una banda de renombre: Camel.

El primer disco de Camel donde interviene Sinclair será Rain Dances, publicado en 1977.  La gira internacional de promoción de este disco, supuso un empujón fuerte para la banda, tanto es así que, al año siguiente, en 1978, aparecería un doble LP que recoge el sonido de Camel en directo.

Con el título A Live Record, el disco recoge tres etapas del proyecto en el Tiempo, comprendidas entre los años 1974, 1975 y 1977.  Las actuaciones que recoge el LP se grabaron en la Unidad Movil de los estudios Basing Street.  Se dieron en Inglaterra y, un dato curioso, todas se llevaron a cabo en el mismo mes, octubre, de las tres fechas citadas.  El disco 1 está formado por actuaciones en el Hammersmith Odeon de Londres; Colston Hall, Bristol; Universidad de Leeds y sala Marquee de Londres, actuaciones todas realizadas en octubre de 1974 excepto algún pasaje que se corresponde con la gira de promoción del álbum Rain Dances.  

El disco 2 está íntegramente ocupado por la interpretación en vivo del disco The Snow Goose, de 1975, realizada en el Royal Albert Music Hall de Londres con la compañía de la Orquesta Sinfónica de Londres dirigida por David Bedford.

La reedición remasterizada de este LP en CD, en 2002,  recupera muchos de los temas que en su día quedaron fuera de la primera edición, especialmente los correspondientes a la gira de 1977.  Esto provoca un cierto desorden en algunas bases de datos porque, en 1978, se publican dos discos de Camel, este y Breathless.  ¿Cuál se publica primero?  Habitualmente te encuentras Breathless y después A Live Record.  Otras veces, es al contrario.  Parece más lógico que primero fuese la edición del álbum en vivo y tras este el álbum Breathless, sin embargo fue al contrario, por motivos comerciales.  Así que, Sin aliento, veía la luz y representó la despedida de Sinclair del seno del grupo Camel.  Nuestro hombre siempre ha tenido una virtud: retirarse antes de que se pueda estropear cualquier aspecto.  Sus intervenciones, colaboraciones, son breves.  Un par de discos, como mucho tres, actuaciones en vivo con el proyecto que sea, las necesarias, y cambiamos de sitio, de posición, de contenido.  Y hablando de cambios:

año 1980, nuestro hombre recibe la llamada de un amigo, Alan Gowen (1947-1981) a la izquierda, para formar un cuarteto sin intención de perdurar, tan solo para grabar un disco.  Gowen fue un teclista brillante tanto en el Rock Progresivo como en el Jazz.  Elemento clave en aquella escena Canterbury, formó la banda de Jazz-Fusion, Gilgamesh y National Health, uno de los proyectos con mayor vertiente jazzística del Sonido Canterbury.  Por desgracia no alcanzó nunca la atención que disfrutaron otros teclistas como Mike Ratledge de Soft Machine, Dave Sinclair de Caravan o Dave Stewart de Egg, Hatfield and the North y National Health.  Su relativamente pequeño volumen de trabajo revela sin embargo una sensibilidad indagadora y exploratoria que podría haberle obtenido un reconocimiento artístico más amplio e incluso un reconocimiento de su impacto en los músicos actuales que se extienden hasta el siglo XXI.  Pero por desgracia murió de leucemia en 1981.  Nacía en agosto de 1947 y falleció en mayo de 1981, es decir, con 33 años, la misma edad con la que murieron figuras como Alejandro Magno o Sansón.  Así que el álbum Before A Word Is Said, fue de las últimas actividades en las que intervino Gowen.  El disco se grabó en el apartamento que tenía el músico en Londres y contó con 

Phil Miller (1949-2017) a la guitarra eléctrica.  Ya se ha indicado algunos detalles de él cuando aparece fotografiado junto al resto de miembros de Hatfield And The North.

Trevor Tomkins (1941-2022) batería británico de Jazz.

El cuarteto se cerraba con Gowen en los teclados y Sinclair en la guitarra bajo y voz.

De este disco escuchamos el corte Umbrellas, original de Sinclair.

En la locución del programa te aseguro que el próximo mes de julio terminaremos con este Especial dedicado a Richard Sinclair pero tengo que corregir: no será en julio esa prometida tercera entrega sino después de las vacaciones de verano.  El motivo es porque este año nos marcharemos antes de vacaciones y de las 5 semanas que tendrá el mes de julio estaremos tan solo 3.  Pero volveremos con nuestro protagonista antes de que finalice el año.  Seguimos donde estábamos, a principios de la década de los 80, situándonos ahora en una fecha importante: 1981, año en el que el guitarrista, guitarra bajo y cantante Pye Hastings decide reunificar el proyecto Caravan llamando a los miembros originales.  Se vuelven a encontrar y se meten en los estudios de grabación, dando como resultado un álbum titulado Back to Front, que se grabaría entre noviembre de 1981 y enero de 1982.  Creo recordar que el LP aparecía ese año, 1982, pero algunas informaciones dicen que fue publicado en 1983.  Año arriba, año abajo...o será el calor, la caló, como decimos por aquí por el Sur, la que me hace bailar las cifras.  Sea como sea, Caravan, los originales (teclados Dave Sinclair, guitarra y voz Pye Hastings, batería Richard Coughlan y guitarra bajo y voz Richard Sinclair) se volvieron a reunir y sacaron un trabajo nuevo, grabado entre los meses de noviembre de 1981 y enero de 1982, un disco titulado Back to Front.

De este álbum de reunión nos quedamos con un tema original en texto y música de nuestro protagonista, el corte titulado Back To Herne Bay Front.

Richard Sinclair estuvo en aquella especie de escuela/taller musical como fue el proyecto The Wilde Flowers, génesis de lo que se conocería como Escena, Sonido Canterbury.  Fueron los hermanos Hopper, Brian y Hugh, los que iniciarían el crisol que, en poco tiempo, se convirtió en un generador de sonido y expresión musical.

Hugh Hopper (1945-2009) fue conocido como el bajista eléctrico de Soft Machine durante su etapa más creativa y aclamada por la crítica, pero su carrera musical se extendió mucho más allá de su tiempo con ese grupo.  Podría decirse que manifestó el espíritu progresivo de la escena de Canterbury, al menos en el aspecto instrumental, durante más tiempo que cualquier otro músico: desde finales de los 60 hasta casi el final de la primera década del nuevo milenio, un período que abarcó más de 40 años, aunque se tomó un breve descanso de la música.  Multiinstrumentista, inquieto e interesado por todo lo que estuviera relacionado con la música más progresiva, Hugh Hopper trabajó con nuestro protagonista en varias ocasiones porque coincidieron en grabaciones y en actuaciones en vivo con otros músicos, y también porque ambos grabaron conjuntamente trabajos como este que nos ocupa ahora

Somewhere in France, firmado en 1983.  Ambos músicos barajan una variedad amplia de instrumentos, sin ceñirse sólo y exclusivamente a los suyos, los que les identifican como es el caso de la guitarra bajo.  De este trabajo extraemos una composición, Video Shows, con Hopper en la guitarra bajo y autor de la letra y Sinclair en la guitarra eléctrica y voz.

Y sin remedio llegamos al final del programa de hoy, a este Especial Richard Sinclair número 2.  El cierre lo ponemos con el álbum Split Seconds original del guitarrista Phil Miller.  Ya ha quedado indicado que Miller fallecía en el año 2017, en pleno siglo XXI.  En 1987 publicaba ese disco cuya carpeta reproduce la foto anterior, y que contó con algunas figuras de la música de Canterbury, entre otros su amigo Richard Sinclair

y la vocalista Barbara Gaskin, la voz que había pasado por Spirogyra y que formó parte del trío The Northettes junto a Amanda Parsons y Ann Rosenthal, el combo que se separó cuando Hatfield And The North dejaron de existir como grupo.

Cerramos con Dada soul, Alma dadaísta, un tema original de Miller que reúne a viejos amigos como Dave Stweart en los teclados y nuestro protagonista, Sinclair, en la guitarra bajo y voz.

Sí, volveremos con él, con Sinclair pero será después de las vacaciones de verano, allá por el mes de septiembre, octubre...  Por ahora nos despedimos de ti hasta la semana que viene.

Espero que te guste el programa.

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Laurence Tolhurst

Laurence Tolhurst (Foto de Tolhurst1)

El nombre completo del hombre de la foto de cabecera es Laurence Andrew Tolhurst, pero es conocido como Lol Tolhurst.  Nació en el año 1959, en Horley, Surrey, Reino Unido.  Junto a Robert Smith y Michael Dempsey, fundó la banda The Cure, tocando la batería, los teclados y componiendo.  Su función como batería fue notable pero desde finales de 1982 sustituyó los platos y los tambores por los teclados, donde dejó igualmente su buen hacer.  Formó parte del proyecto desde su fundación en 1978 hasta 1989.  Tolhurst adquirió una conducta de riesgo que venía marcada por su adicción al alcohol, que le impidió trabajar en ensayos y en sesiones de grabación, o a la hora de salir a escena en algún concierto, con la consiguiente urgencia para encontrar a un sustituto en el último momento.  Eso fue lo que determinó su salida de The Cure.  El tiempo de rehabilitación de sus adicciones y los aspectos relacionados con los derechos de autor del tiempo pasado en The Cure (pago de regalías por parte del sello discográfico, la coparticipación en la creación del proyecto de la banda) desembocó a mediados, casi finales de los años 90.  Siguió en el mundo de la música junto a su mujer, Cindy Levinson, y entró al siglo XXI con el proyecto Levinhurst que llevan, hasta el momento, tres álbumes publicados en 2004, 2006 y 2009.

Pero el motivo por el que viene hoy a este blog no es por su labor como músico, sino como escritor.

Lo primero que publicó, en 2016, fue Cured, una biografía de The Cure.  Pero vamos a recorrer el camino a la inversa, comenzando por su segundo libro editado, Gótico.  Una historia, de 2023.

A pesar del subtítulo, Gótico no es una sucesión cronológica de fechas y datos, acontecimientos relacionados con el movimiento bautizado con dicho nombre.  Es un análisis desde dentro por parte de alguien que estuvo en el devenir de las circunstancias que fueron haciendo posible la primavera de una estética que tuvo sus madrinas y padrinos, que florecieron y se multiplicaron, y desarrollaron las bases del género.  Él, como miembro fundador de The Cure, puede hablar con conocimiento de causa de otros grupos coetáneos (Siouxsie And The Banshees, Bauhaus, Joy Division), y cómo, dónde se originaron puntos neurálgicos desde los que se extendieron hacia otros proyectos.  Habla no sólo de sus recuerdos, también de los de otros músicos que estuvieron en los orígenes o como parte del desarrollo.  

Pero Gótico no habla sólo de Música.  Tolhurst, con pulso equilibrado, escribiendo de forma atractiva, también resalta el perfil goticista en el cine, la televisión, las artes visuales y las redes sociales.  

Su lectura me ha recordado otro libro referido a lo gótico y que tiene una entrada aquí en  el blog, me refiero a Temporada de brujas: El libro del Rock Gótico, de Cathi Unsworth (entrada del 24 de marzo de este año 2025).  El libro de Unsworth es una crónica amplia de lo gótico visto desde fuera, con profundidad.  La obra de Tolhurst está escrita desde dentro.  Se complementan perfectamente.

Gótico.  Una historia la publicó NeoPerson Sounds en 2024, con traducción de Ainhoa Segura Alcalde.

Conectando con el pasado del autor recuperamos ahora su obra anterior, Cured, sobre la alquimia que unió a tres muchachos imaginarios bajo el nombre The Cure.

No fue recibido excesivamente bien esta biografía-historia, sin embargo sirve para conocer parte de un proyecto.  Parte porque es la versión del autor, capaz de ver dónde metió la pata y dónde participaron todos de momentos y hechos luminosos.  Su segundo libro es un buen complemento a esta obra primeriza.  Lo editó en 2018, Malpaso Ediciones, con traducción de Jordi Amor.  Personalmente, en la actualidad, prefiero a Lol Tolhurst como escritor que como músico, su proyecto Levinhurst, en mi opinión, no llega a cuajar.  Sus libros resultan más diversos en los resultados.

Cíclope 3.0 - 10-06-25

 

Escena de la vida doméstica: Bernardo Acebal irrumpe en el gabinete de su esposa, Isabel De Luján, con la intención de llevarse el aparato de radio para escuchar las noticias de Deportes.  Ella, puñal en mano, le asegura que por nada del mundo va a dejar que se lleve su transistor porque va a comenzar, en Radio Tomares, Cíclope 3.0 

Cíclope 3.0 del martes 10 de junio de 2025.  Como tantas otras veces, comenzamos con música de ayer, del pasado más inmediato.  Cuando el Cíclope se pone a buscar material deja que suene música de fondo.  Mientras enredaba buscando datos e iban apareciendo las asociaciones libres de nombres y títulos, de fondo, sonaba esta canción, Yesterday's Men, con la que empezamos hoy, un tema original de la banda inglesa Madness.

  

Inicialmente, fueron conocidos por combinar ritmos de ska con melodías Pop pegadizas y un humor disparatado.  Eso es lo que mostraron al mundo en su álbum debut de 1979.  Desde entonces y hasta hace dos años, Madness se han tomado periodos de descanso, han cambiado de algunos miembros en la banda, y siempre han seguido en activo.  En la locución del programa me equivoco y les doy de existencia hasta mediados de la década de los años 80.  Rectifico:

a mediados de los 80 se produce una pausa en la dinámica del proyecto, que coincide con la aparición del álbum Mad Not Mad, en 1985.  En ese disco se incluye la canción con la que hemos entrado a esta edición de Cíclope 3.0, el corte titulado Yesterday's Men, una composición serena ante el habitual corte festoso de sus canciones.

Ese Hombres de ayer nos sirve para adentrarnos en las páginas de los diarios de algunos hombres y mujeres del pasado con proyección hacia el presente, como por ejemplo, Tom Waits.

    

Waits es un fiel ejemplo de lo que se conoce como espíritu, alma (significantes sin ningún tipo de reminiscencia religiosa) caleidoscópica, por la cantidad inclasificable de influencias.  Porque se pueden enumerar estilos musicales que, semejante a una esponja, fue absorbiendo mientras crecía en San Diego durante los años 50 y principios de los 60.  También estuvo bajo la influencia de la época dorada de la radio fronteriza y estuvo expuesto a todo, desde mariachis y bandas hasta swing, jump blues, R&B, honky tonk, folk y el rock & roll temprano.  Envuelto en la música y en On the Road de Jack Kerouac, aprendió a tocar el piano y la guitarra de forma autodidacta en su adolescencia y comenzó a cantar en la floreciente escena folk de San Diego. También comenzó a escribir sus propias canciones basándose en fragmentos de conversaciones que oía por casualidad. Tras dejar su hogar siendo adolescente aún, Waits emprendió viaje a Los Ángeles, donde vivió en su coche mientras trabajaba como portero en un club nocturno.  Músico, multiinstrumentista, compositor, cantante, actor de Cine...poliédrico, como su cabeza y su ingenio, Tom Waits comenzó a publicar su música en formato de disco en 1973 y desde entonces el arco de su producción llega hasta este siglo XXI.

En el año 2002 veía la luz el álbum Alice, cuyo tema suena inmediatamente después del corte de Madness, para conectar mujeres de ayer con mujeres y hombres de hoy.  

Esa Alice no es otra sino Alice Liddell (1852-1934), la niña de la foto a la izquierda, la que inspiró las obras Alicia en el País de las Maravillas y Alicia a través del espejo de Lewis Carroll.  El álbum que se publicaba el 7 de mayo de 2002 tiene su historia.

Waits escribió las canciones del disco a medias con Kathleen Brennan, compositora y compañera de vida, su esposa, en la foto de la derecha.

Este ciclo de canciones de amor tuvo el origen en una producción teatral escrita a medios entre Waits y Brennan, que buscaron el apoyo creativo en el autor británico Robert Wilson (foto de la izquierda).

El espectáculo se representó en Europa durante un tiempo y las 15 canciones de la producción permanecieron sin grabar hasta que vieron la luz el 7 de mayo de 2002.  La instrumentación es diferente a la utilizada en discos anteriores porque aquí hace uso de una pequeña orquesta de cámara, marimbas, piano, órgano, instrumentos de viento y la ausencia completa de guitarras, algo particularmente llamativo porque, la guitarra, es el instrumento que, en la obra de Tom Waits, ha desempeñado un papel muy importante.  Sobre todo si te fijas en la fecha de 1985, cuando se editó su álbum Rain Dogs, un disco en el que participó por primera vez Marc Ribot, guitarrista estadounidense, que abrió puertas y ventanas en el campo creativo de Waits.  

Vamos a entrar

en la música del guitarrista de Newark, New Jersey, Estados Unidos, Marc Ribot, y para ello lo hacemos a través de la primera intervención que llevó a cabo con Waits, en el álbum Rain Dogs y en el tema que le da título al disco.

Hoy tenemos un programa con afluencia de novedades, discos nuevos de nombres conocidos como es el caso de Ribot.  El 23 de mayo pasado veía la luz su último trabajo, un álbum de corte intimista que se llama Map of a Blue City.

   

Siendo Ribot un padre joven, su hija, obviamente una niña entonces, dibujó un mapa de una ciudad en un azul intenso.  El padre elogió el mapa azul que había pintado la hija, pero ella le corrigió: no es un mapa azul, sino el mapa de una ciudad azul.  Esa distinción se le quedó grabada y con el tiempo inspiró una curiosa canción titulada así, Mapa de una Ciudad Azul, que es precisamente la que acaba de sonar, la que le da título a este último álbum de nuestro protagonista, una obra en la que reflexiona sobre lo que significa estar perdido, la confusión y el miedo. Instrumentación variada: violonchelo, viola, violín, guitarra bajo, batería, órgano, acordeón, flauta, saxofón…instrumentos que suenan pero no a la vez en las composiciones, no al menos como norma porque tan solo en una ocasión hay un tema en el que sí lo hacen.  En los demás casos impera la austeridad para ilustrar historias con nombre de mujer, historias de callejones sin salida y de búsqueda como esta otra que suena: Say My Name, Di mi nombre, una especie de amuleto para defenderse del aislamiento en un mundo que no ha dejado de tener las mismas carencias por muy antiguas que sean.

Ahora, de la intimidad electro-acústica de Marc Ribot, a otra intimidad, la que da el laboratorio musical.  Sonidos electrónicos en las manos de dos creadores, Mark Pritchard y Thom Yorke.

Probablemente el más conocido de los dos es Thom Yorke, esencia de Radiohead y motor de proyectos como The Smile, entre otras actividades.

Delante de él, en la foto, Mark Pritchard.  

Pritchard, original de Yeovil, Somerset, Inglaterra, es uno de esos músicos que desde su infancia han estado rodeados, bañados y alimentados por un arco iris de música: colores variados, estilos diferentes y multiformes.  Ha estado y sigue perteneciendo a proyectos tan distintos como variados.  Y siempre, siempre, rodeado de instrumentos de electrónica a los que les ha dado un uso de investigación.  Curioso por naturaleza, se ha puesto al frente de instrumentos de teclado y ha buscado ser él quien defina en formato de música lo que se le ocurría, lo que compone.  Su labor como productor llega a ser tan fructífera como su trabajo como compositor e intérprete.  Está afincado en Australia, en la capital, Sydney.  Siendo un investigador del mundo de la electrónica en su variedad más amplia, lógicamente coincidió con Thom Yorke en alguna ocasión.  Su primera colaboración juntos data del año 2016, cuando Pritchard decide no utilizar ningún seudónimo y firmar sus trabajos con su nombre y apellido.  Es cuando aparece el álbum Under The Sun.  El mismo año, un poco después, vería la luz Under The Sun Expanded Vol. 1, donde Thom Yorke interviene en un corte manejando sintetizadores.  El disco lo grababa, escribía y producía el mismo Pritchard.

Bajo el arco de la pandemia del COVID-19, se fue gestando una colaboración más estrecha entre los dos músicos, una colaboración más allá de la aparición de uno de ellos en una composición del otro.  Así comenzó a adoptar una forma concreta lo que se conocería como Tall Tales, un álbum que se publicaría el pasado mes de mayo, en concreto el día 9.

  

    

Tall Tales está compuesto por ambos, Pritchard y Yorke.  Lo hacen muy bien y saben desenvolverse entre los sonidos experimentales de sus composiciones abstractas.  Lo que escuchamos de esta doble colaboración es un tema de este álbum, una composición extensa titulada A Fake in a Faker's World.

Ya que el binomio Pritchard/Yorke nos han dejado paisajes electrónicos, vamos a continuar con ese decorado en un ambiente novedoso.  Comenzaron en 1996 y a fecha de hoy han grabado y publicado 11 álbumes.  El último veía la luz el 23 del pasado mes de mayo con el título Escape The Chaos.  Lo firma, Morcheeba.

El proyecto se formó en 1995, cuando los hermanos Godfrey, Ross (izquierda) y Paul (obviamente, a la derecha), se reúnen en una fiesta con Skye Edwards.  Así comenzaría la historia del trío que pasaría por diferentes metamorfosis: Edwards abandonaría el seno del grupo, cambio de vocalista durante un tiempo, Edwards que volvería para alejarse poco después...y los hermanos también emigrarían para volver más tarde, como las golondrinas del Capistrano a las que le cantó Pat Boone allá por 1957.  Bueno, sin salirnos de lo que estábamos hablando: que Morcheeba han vuelto pero de trío se ha quedado en dúo.

  

Ahora son Skye Edwards y Ross Godfrey.  De ese último disco extraemos dos temas: Las cabezas más frías y Llamada al amor.  La voz es de Edwards, las guitarras, los teclados y algunos instrumentos más, corren a cargo de Ross Godfrey, que se encarga también de la producción.  La primera edición prensada en vinilo tiene un efecto mariposa.  Ha sido de venta exclusiva de la tienda web del grupo y de la tienda Fnac en Francia.

Estamos en la recta final de esta edición de Cíclope 3.0 y no dejamos la música electrónica aunque al sonido de teclados y otros elementos se les van a sumar otras líneas como algunas formas, esquemas del Post-Punk.  Vamos a escuchar un par de cortes de una banda que maneja el anonimato como tarjeta de presentación.  Son ingleses y responden al nombre de Snapped Ankles.

El nombre es bastante peculiar: Tobillos rotos.  Lo de permanecer en el anonimato, bueno, no es una gran originalidad, es algo que se ha hecho en la Historia del Rock en alguna que otra ocasión, por ejemplo, fue algo que se sumó a la popularidad de The Residents.  Lo fundamental de estos Snapped Ankles es la música que hacen.  

El proyecto se formó en el año 2011, cuando los cuatro miembros originales comienzan a tocar una música sin líneas ni estilo definido.  Empezaran a tocar entre las actuaciones de otros artistas y durante las fiestas que organizaban amigos comunes de los miembros de la banda.  Con el tiempo, el estilo comenzó a surgir de forma natural, incorporando sintetizadores y producción experimental a sus canciones.  Entre los años 2011 y 2016, graban una serie de sencillos que van apareciendo en ediciones propias hasta que, en 2017, una independiente británica como The Leaf Label (conocida como Leaf) se fija en ellos y le publican su primer larga duración.

La casa discográfica Leaf era propiedad de Tony Morley, que la dirigía desde 1995.  Tenía conocimiento de la industria fonográfica porque antes de todo eso, Morley había sido jefe de prensa de la 4AD.

Con su primer disco, Snapped Ankles ponen en marcha todo un arsenal estético y musical.  Siguieron siendo cuatro miembros, tal y como fueron antes de ser fichados por el sello Leaf.  Aseguran que siguen siendo los miembros originales que se unieron allá por el año 2011.  La estética fue y es la de aparecer en el escenario o en entrevistas vestidos con lo que se conoce como trajes ghillie, la indumentaria que utilizan en el ejército para que los soldados aparezcan mimetizados con el medio: trajes de camuflaje, con hierbajos, para poder pasar desapercibidos, es decir, esto

   

Una instantánea de una actuación del grupo se los ve vestido de esa guisa.

En esta ocasión la foto recoge a tres miembros solo, el cuarto no entró en el encuadre.  Lo primero que volcaron Snapped Ankles en su álbum de debut fue todo el crisol de influencias que manejaban: Krautrock, Post-Punk, el ruido de Lightning Bolt, Fela Kuti, la Morris Dancing tradicional inglesa y textos nórdicos antiguos.  Así prensaron su álbum de debut titulado Come Play The Trees donde unen, en una composición, las figuras de Johnny Guitar y Gösta Berling,

dos personajes debidos él a la pluma del escritor norteamericano Roy Chanslor (1899-1964) en la foto de la derecha, y su novela Johnny Guitar, de 1954, que ese mismo año fue adaptada al Cine por Nicholas Ray.

El personaje de Gösta Berling sacado de la novela La saga de Gösta Berling, de 1891, de la escritora sueca Selma Lagerlöf, la primera mujer que recibió el Premio Nobel en la categoría de Literatura, en 1909.

Estas dos figuras de ficción son las que intervienen en la composición Jonny Guitar Calling Gosta Berlin, uno de los cortes del primer álbum del grupo Tobillos rotos.

Cerramos esta edición de Cíclope 3.0 con ellos y su nuevo trabajo, Hard Times Furious Dancing.

    

El disco aparecía el 28 de marzo pasado y es el cuarto larga duración en la discografía de este grupo británico que continúan siendo fieles a su puesta en escena como a su forma de entender la música.  Con Personal Responsibilities, un tema de este trabajo, nos despedimos hasta la semana que viene.

Espero que te guste el programa.

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Cíclope 3.0 - 03-06-25 - Especial David Sylvian # 13 y Final

David Sylvian

Cíclope 3.0 del martes 3 de junio de 2025.  El espacio está dedicado a la última entrega del Especial David Sylvian, la número 13.  

Comenzamos donde terminábamos la edición anterior, la del mes de mayo.  Entonces escuchábamos un par de cortes del álbum Wandermüde, firmado entre Stephan Mathieu y David Sylvian, un disco instrumental publicado el 18 de diciembre de 2012.  Ese mismo año, el 30 de julio, veía la luz Night Within, un disco de 7 cortes firmado a medios entre los músicos norteamericanos Daniel Lea y Matthew Waters bajo el nombre de LAND.

Daniel Lea, compositor e intérprete residente en Los Angeles

Matthew Waters, saxofonista norteamericano relacionado con la vanguardia californiana

 

En este trabajo colaboraron una serie de músicos entre los que se encuentra David Sylvian, improvisando el texto del tema Nothing Is Happening Everywhere, que es el corte con el que iniciamos esta edición.

Un año después de esta colaboración de nuestro protagonista, Sylvian entrega un adelanto, un Single de un futuro álbum que se quedó en proyecto, porque no se llegó a terminar, y todo quedó en un sencillo de dos canciones.

¿Hasta qué punto puede un artista experimentar plenamente con el sonido de su música sin perder el significado en el proceso?  La posibilidad de experimentar con el sonido es ilimitada, aunque el resultado final a veces puede hacer que el concepto original se pierda en la propia obra: el significante se traga al significado.  Y viceversa.  

David Sylvian comenzó en la música mediada la década de los años 70 capitaneando la banda Japan.  Siguió en una constante búsqueda de formas musicales que le ha llevado a cultivar un sonido caleidoscópico, poliédrico, desarrollado a través de diferentes caminos: maneras del Jazz, de la música Pop más sofisticada, vanguardia experimental asequible, elementos con los que ha ido levantando un escenario de horizontes crepusculares, ambiente otoñal, redención de una melancolía que llegaba a un resolución luminosa.  Pero llegó un cruce de caminos, una opción en la que tuvo que dotar al vector de su música de una dirección.  Fue al principio del nuevo siglo, año 2003.  Su notable firmeza en crear música cada vez más vanguardista, aún a riesgo constante de distanciarse de su base de fans, Sylvian abandonó prácticamente el formato Pop convencional de una vez por todas con su obra seminal Blemish, publicada ese año, 2003.  Continuó profundizando y aparecerían trabajos como When Loud Weather Buffeted Naoshima en 2007, una composición de Sylvian de larga duración (1 hora, 10 minutos y 21 segundos) pieza para una instalación encargada por la Fundación del Museo de Arte Naoshima Fukutake en la isla de Naoshima, Japón, como parte de la exposición NAOSHIMA STANDARD 2 que se realizó desde octubre de 2006 hasta abril de 2007.  El resultado es un paisaje sonoro ambiental atmosférico, un collage de sonidos  concretos y encontrados.  Nuestro protagonista volvería a elaborar canciones pero no tuvieron nada que ver con lo que había hecho antes.  A Blemish, álbum seminal, le seguirían trabajos aún más difíciles de escuchar como Manafon, 2009, Died In The Wool-Manafon Variations, 2011.  En el terreno de las colaboraciones en el año 2012 se publicaba el álbum Uncommon Deities, firmado entre Jan Bang y Erik Honoré donde nuestro protagonista interviene como colaborador.  Ese mismo año aparecía el álbum que aparece citado al principio de la entrada de hoy, Wandermüde, de Stephan Mathieu y Sylvian.  Pocos meses antes colaboró con el proyecto LAND en su Mini-LP Night Within, y tras este looping en el Tiempo, recalamos en aquel Single adelanto de un álbum que no fue, el que se iba a titular Do You Know Me Now?.  

Sylvian había llegado a un punto de no retorno.  No quedaba rastro de aquel compositor de paisajes sonoros que mostraban la música por dentro.  El escalofrío de su voz no prometía el confort de sueños cálidos sino que pedía, exigía una escucha, una audición atenta.  Sus oyentes, largamente asentados en sus diseños interiores, se encontraron con que la música de su ídolo se había vuelto inexplicable, rara, fea, ruidosa.  Pero Sylvian seguía su camino, inflexible.  Le había dado la espalda a la Música Pop y a las grandes discográficas.  Junto a su hermano, Steve Jansen, había fundado el sello discográfico Samadhisound.  No había que pelear con ninguna productora, no había que buscar a alguien interesado en publicar lo que hacía.  Pero parte de la audiencia no aceptó esta línea evolutiva porque lo que querían, lo que quieren es seguir escuchando lo que Sylvian comenzó a hacer después de la existencia de Japan, esa forma de hacer música que mostró a partir de 1984 con la publicación del álbum Brilliant Trees y que siguió desarrollando.  Es decir: más de lo mismo.  Que todo siga igual.  Esto es algo común a otros grupos de admiradores no sólo de la Música, también se da en la Literatura: el perfil de oyentes, de lectores, que siempre buscan lo mismo, compuesto, cantado, escrito, estructurado, con el mismo contenido, las mismas formas, mil y una vez más.  Pienso que, para eso en el caso de la música, lo que pueden hacer es tirar de catálogo: tomar los discos anteriores y volverlos a escuchar una y las veces que haga falta.  En el caso de la literatura, con volver a leer lo ya leído, tienen bastante.  Así que, nuestro protagonista, con la nómina de fans particularmente mermada, ha continuado su camino y así nos encontramos este Single formado por dos composiciones que no tienen nada que ver con la producción que ha venido realizando desde principios del siglo XXI.  Do You Know Me Now?/Where Is Your Gravity? poseen una naturaleza más asequible al oído sin comprometer las ideas de su creador en aras de la accesibilidad porque, son composiciones de un perfil armónico frente a otras de los últimos trabajos donde abunda la abstracción y la experimentación, pero no son sencillas y, menos aún, simples.   Ambas canciones aquí tienen una identidad distintiva y un fuerte énfasis en el minimalismo, la atmósfera y el lirismo. Para la ejecución de las dos piezas, Sylvian se reúne de músicos con los que ha trabajado en varias ocasiones: Jan Bang, Erik Honoré, Arve Henriksen, Steve Jansen.

Llegamos al año 2014 y Sylvian compone una obra de largo título y también larga duración: There's A Light That Enters Houses With No Other House In Sight (Hay una luz que entra en las casas sin otra casa a la vista), 1 hora 4 minutos y 20 segundos.

  

Sylvian, además de componer, se encarga de grabar y de tocar una serie de instrumentos.  En la labor musical de interpretar instrumentos le acompañan dos amigos y colaboradores

El músico austríaco Christian Fennesz, guitarra eléctrica y ordenador

John Tilbury, pianista inglés

También intervienen dos músicos japoneses que volverán a aparecer como colaboradores poco después  

Otomo Yoshide

  

  Toshimaru                Nakamura

Sylvian formó junto a Christian Fennesz y Stephan Mathieu el proyecto The Kilowatt Hour.

  

En el año 2013, el trío actuó en vivo junto al poeta estadounidense Franz Wright (en la foto anterior).  Wright, nacido en 1953 y fallecido en 2015 de cáncer de pulmón, fue Premio Pulitzer.  Su extensa obra poética incluye el libro Kindertotenwald, cuya traducción podría ser Bosque de niños pequeños, aunque, dado el bien documentado trabajo voluntario de Wright con niños afligidos por el dolor, Niños del Bosque Muerto podría ser una traducción más apropiada.  Sobre la relación con el poeta, Sylvian contaba en septiembre del año 2013:

A principios de este año tuve la fortuna de conocer y trabajar con el poeta estadounidense Franz Wright, ganador del premio Pulitzer.  Había sido un admirador entusiasta de la obra de Franz durante muchos años, pero con la publicación del volumen Kindertotenwald descubrí que había establecido una conexión muy personal con una colección de poemas en prosa singularmente íntimos.  Al leerlo, no tenía ni idea de los giros inesperados que daría mi vida al año siguiente, cuyas ramificaciones encajaban tan profundamente con la obra de Franz (ya había escrito y grabado la canción principal de Died in the Wool y mis interpretaciones de la poesía de Emily Dickinson), ni tenía ni idea de que aproximadamente un año después estaría sentado en un estudio en su ciudad natal, Massachusetts, grabando sus lecturas de ese mismo volumen (Kindertotenwald).  A principios de este año 2013, le escribí a Franz con la esperanza de despertar su interés en un posible proyecto, que solo podía describir de forma vaga.  Por fortuna, conocía mi obra lo suficiente como para aceptar la idea desde el principio.  Desafortunadamente, su salud era muy delicada, pues le habían diagnosticado un cáncer terminal.  El cáncer no es un desconocido para Franz, ya lo había enfrentado una vez, una batalla que había ganado contra todo pronóstico, pero aquí estaba de vuelta, acechando, esperando el momento oportuno, un tiempo que Franz no puede permitirse desperdiciar mientras continúa escribiendo con formidable determinación, honestidad, coraje y devoción a su oficio, su musa, documentando sus fluctuantes estados de ánimo, sus percepciones, su intelecto, sus penas, sus amores y su furia sangrienta en estos, sus últimos volúmenes, el último de los cuales es F.  Al mismo tiempo que hablaba con Franz, también estaba hablando de una serie de conciertos con Stephan Mathieu y Christian Fennesz.  Ahora parece inevitable que estos dos proyectos se hayan unido en lo que actualmente es una breve serie de interpretaciones basada en el esbozo de una composición que preparé en agosto de 2013.  La pieza está construida para permitir la libre improvisación de Christian y Stephan, basada en las lecturas de Franz y mis propias construcciones compositivas. Mientras escribo esto, seguimos explorando las posibilidades de la pieza tras nuestra primera actuación en el Festival Punkt de Kristiansand, Noruega, en septiembre de 2013, y Franz sigue al otro lado de la línea hablándome de Jacob, del ángel y de mil cosas más que, la verdad, me han ayudado a sostenerme, al igual que su magnífica voz, que resuena en salas y teatros de Europa.

No podemos escuchar la obra There's A Light That Enters Houses With No Other House In Sight al completo porque dura más que el programa, pero sí al menos un fragmento.  De los textos que lee el mismo Wright entresaco dos.  Uno dice:

Me costaba dormir.  No sé cuánto tiempo estuve allí tumbado, escuchando la ventisca.  Tuve la impresión más vívida de que era una ventisca en Minneapolis en 1959.  Y esto me pareció perturbador.  Sabía que ahora tendría que encender la lámpara, levantarme de la cama e intentar escribir sobre mí.  Y, por supuesto, escribiera lo que escribiera, sonaría como algo que se había inventado. Pero al final, decidí quedarme quieto, darme la vuelta y guardarme para mí.  Creo que hice lo correcto.  Después de todo, solo fue una ventisca en Minneapolis en 1959.  ¿Cómo se supone que vas a describir algo como yo?  Y, pensándolo bien, ¿por qué deberías intentarlo?  ¿Por qué debería importarte?

El fragmento que suena de la obra en el programa incluye éste párrafo:

Lluvia de glicinia.  ¿Dónde está tu hija madre?  Esta debe ser la última abeja de la Tierra. ¿Así que ya no encuentras grandeza ni misterio aquí? Quizás olvidaste traer algo. Gorriones ambulantes.  Vasta nube electrónica de mosquitos en aguas sin viento.  Volumen azul noche en un idioma que nadie lee.  ¿Ya estamos cansados?  ¿Has terminado de debatir con los ciegos que insisten en que la luz no existe y tienes pruebas de ello?  Nadie está solo. Dios está solo. Si te gustó nacer, amarás morir.

Del año 2014 pasamos al año siguiente, 2015.  Desde los años 90 y principios del siglo XXI, Sylvian está relacionado con la escuela londinense reduccionista de música improvisada, punto de formación de músicos con tendencia a la improvisación libre.  Ese año, 2015, en el mes de marzo, nuestro protagonista se reúne con un grupo de músicos amigos:

Jan Bang, compositor y productor noruego

Otomo Yoshihide, un guitarrista experimental de Yokohama que venía de colaborar con nuestro hombre en el trabajo del año anterior

otro músico que repetía también del álbum anterior, el guitarrista japonés, Toshimaru Nakamura

Por último otro músico japonés, este original de Osaka, Dai Fujikura

Se reunieron en la antigua escuela de Ny-Hellesund, puerto del municipio de Kristiansand, en el condado de Agder, Noruega.  Era el mes de marzo del año 2015 y partiendo de una improvisación grabaron Playing The Schoolhouse, una composición de 15 minutos que se publicaría en octubre de ese año en una tirada limitada a 300 ejemplares.

Por ahora es el último disco que aparece firmado por David Sylvian.  Dos años después, en 2017, aparece como invitado en un disco firmado por Rhodri Davies y Mark Wastell.  Su nombre y apellido está en medio de los otros dos músicos, indicando una importancia fundamental en el trío que realiza y graba There Is No Love.

Rhodri Davies es un músico y compositor galés.  Es arpista y trabaja en el campo de la improvisación libre.  Fue uno de los miembros más destacados de la escuela londinense reduccionista de música improvisada, citada hace un momento.

Mark Wastell es un músico inglés de improvisación libre que toca el violonchelo, el contrabajo, instrumentos electrónicos, el tam tam e instrumentos de percusión.

Estos dos músicos han colaborado juntos en diferentes proyectos de libre improvisación y, obviamente, desarrollando esa actividad entraron en contacto con David Sylvian quien aceptó inmediatamente cunado le propusieron un proyecto como There Is No Love, una pieza de música de 30 minutos compuesta por Davies y Wastell con Davies en el arpa, vibráfono y efectos de radio, Wastell en una diversidad de instrumentos de percusión y David Sylvian en la instrumentación electrónica, tratamiento de la voz y voz, leyendo fragmentos de la obra In The Solitude Of Cotton Fields, texto original de Bernard-Marie Koltès, (1948 — 1989) dramaturgo, escritor y director teatral francés que aparece en la foto a continuación.

There Is No Love aparecía en 2017 con la portada que aparece unas líneas más arriba.  Esa es la versión CD, con carpeta diseñada por Mark Wastell y la creadora Aleksandra Grünholz.  Sylvian realizó un diseño distinto para la aparición en vinilo de la obra, y la carpeta del LP quedó así

Nos vamos acercando al final del programa de hoy y nos centramos en los años que llevamos de la década de los 20 del siglo XXI.  David Sylvian, estos últimos años, ha trabajado en colaboración con otros músicos como ocurría en 2022 cuando colabora con el trío Twinkle³, es decir, Centelleo elevado al cubo.

Twinkle³ es un proyecto capitaneado por el hombre de la izquierda, Clive Bell, que toca la flauta japonesa shakuhachi (la que toca en la instantánea), la sierra pi y la armónica khene o khaen, original de Laos; a su lado, Dave Ross, manejando sintetizadores modulares, varios instrumentos de viento y cuerda.  Por último, Richard Scott, manejando samplers, sintetizadores modulares y electrónica analógica.

En el año 2022, el trío publicaba Upon This Fleeting Dream, un trabajo que abarca poemas y haikus japoneses medievales y del siglo XVI sobre la muerte y la despedida.  

Para realizar este curioso viaje interior buscaron dos voces, la de la vocalista japonesa Kazuko Hohki, que ha estado en proyectos japoneses como Frank Chickens o Kahondo Style, donde también ha estado Clive Bell.  La otra voz que aparece en este álbum de Twinkle³ es la de David Sylvian, que recita en inglés algunos de los poemas japoneses y haikus medievales.  Y sin remedio, llegamos al final de esta edición que también es el final del Especial David Sylvian, hoy con la entrega número 13.  Para cerrar vamos a hacer un looping hacia atrás, hacia 1999.  Sylvian en 1987 publicaba Secrets Of The Beehive, un trabajo hermoso, muy hermoso, que supuso un punto y aparte en su producción porque tras este disco se dedicó a colaborar con otros músicos pero sin publicar nada bajo su nombre y apellido.  Será la época fructífera en la que trabajó junto a Robert Fripp, dando como resultado composiciones de un brillo especial.  Trabajó con músicos de estética variada y volvió a grabar y a publicar discos firmados con su nombre y apellido, 12 años después, en 1999, cuando veía la luz Dead Bees On A Cake.

El Tiempo no había pasado en balde y nos reencontrábamos con un Sylvian que había aprendido y mucho a manejar diferentes instrumentos, entre ellos la guitarra, tanto acústica como eléctrica.  Esa que ves en las líneas anteriores es la portada del disco de 1999, la misma que se utilizó en 2018, cuando se reedita el álbum pero doble, tanto en formato CD como en LP.  El contenido era más amplio que el de la edición de 1999, no porque incluyese las ínclitas Demos o Versiones Alternativas, sino porque recogía canciones que quedaron fuera por falta de erspacio en la primera edición, como sucede con el corte que hemos escogido para cerrar, un tema titulado Cover Me With Flowers, Cúbreme con flores.  

En los dos últimos años, de Sylvian ha aparecido una reedición en CD de su obra, una Box Set de 10 CDs titulada Do You Know Me Now?, como se tituló aquel Single de 2013 que quiso ser un anticipo de un álbum de nombre idéntico pero que se quedó en la intención.  Así que en 2023 vio la luz esta caja con esta portada:

      

Se vende en la web oficial de Sylvian, donde aparece también la caja The Perfume of Wealth, una edición limitada de 20 fotografías de David Sylvian y Yuka Fujii, fotógrafa, diseñadora, directora de arte y artista, más conocida por el público a través del trabajo en las carpetas de los discos de David Sylvian.  La publicación de este trabajo fotográfico se realizó el 23 de febrero de 2024.

Lo más inmediato, musicalmente hablando, que verá la luz de Sylvian será la publicación del álbum Vermilion Hours del pianista y compositor francés Melaine Dalibert, donde nuestro hombre colabora.  El disco verá la luz el próximo 27 de este mes de junio. 

Cuando nos sea posible, nos haremos con este disco para que puedas escucharlo aquí, en Cíclope 3.0

Espero que te guste el programa.

Enlace:

https://www.radio.tomares.es/blog/ciclope-30-03-06-25